在如今这个独立音乐快速发展的时代，对音乐人的个人能力要求越来越高，他们不但要自己创作歌曲，还要懂得编曲、配器、混音等各个方面的知识。有人说，现在的独立音乐人都是全能型的，你具备的能力越多越强，你就会走得更远。
那么作为一个音乐人，在创作过程中要注意些什么？如何写出好的歌曲？有什么技巧？我们总结了一些提高音乐制作技能的方法，分享给大家，希望对各位有所帮助。
掌握乐理让创作思路更清晰
有很多音乐人和乐手经常通过乐器伴奏的方式进行即兴的音乐创作，这是最为直接的方法，也是大家创作音乐最常用的方法。但实际上，当你拥有了一定的乐理基础知识，就会发现你的创作变得更有章法。
何为章法？比如披头士曾经写过一首歌叫《挪威的森林》，这首歌选用的是E大调，同时选取了混合利底亚的调式，也就是中古调式中的第五级。这首歌开头部分由一级和弦接五级小和弦，五级原本是一个大和弦，而在音乐中，同样音级的大和弦是可以替代成小和弦的，这种和弦替代方法可以瞬间改变歌曲的色彩，增添歌曲的表现力。
在歌曲中间部分，列侬和保罗二人使用了一个转调进入副歌，再次使歌曲的色彩改变，瞬间给听众带来另外一种感受。歌曲结尾，他们使用了爵士乐中最为经典的结尾方式，由二级和弦转五级和弦再到一级和弦，而二级和弦正好是五级和弦的副属和弦，再次增加了歌曲的张力，使听众感受到完全中止的完整感。
旋律方面，如果把这首歌的旋律写在五线谱上，我们会发现它的旋律线条呈波浪线下行，非常有规律，同时，旋律里带有混合利底亚音阶最有特色的降七音。再加上乔治·哈里森西塔琴的演奏和诗意的歌词以及保罗和列侬二人在副歌部分精彩的和声，这首歌可谓是流行音乐作品的典范。
以上这些，就是创作的章法。音乐表达的是情感，而音乐在经过几千年的发展之后，已经拥有一套完整的系统，这套系统可以教你用什么样的调式、和声，什么样的扩展音、音程分别对应什么样的感情色彩。这就是为什么有的歌曲听起来没什么特点，而有的歌曲听起来让人拍手叫好的原因。
PinkFloyd写歌的时候开头用的就是13和弦，一张专辑里28首歌可以从第一首无缝对接到最后一首，这都是需要强大的理论知识才能做到的。有了一定基础的理论知识，创作时的思路会更清晰，细节会做得更好。
找到聆听音乐的方法
很多人在聆听音乐的时候通常只注意到音乐中人声的旋律部分和歌词部分，但实际上，一个专业的音乐人在聆听音乐的时候，通常会把更多注意力放在别的地方，比如和声的走向、配器的使用、声道的分配、节奏的气口，因为一首歌曲中气氛的烘托靠的就是这些细节。而当你自己做音乐的时候，这些细节就需要你一点一点的想出来，并融合到音乐当中。
比如周杰伦的《菊花台》，这首歌编曲时所使用的乐器并不多，但做得简洁明了。歌曲开头先由中提琴在右声道拉出前奏旋律，同时由小提琴在左声道演奏复调，从而呼应中提琴，中途再加入中国鼓及音树，由中小提琴演奏相同的旋律线，并放大音量，这样做的效果就是给听众瞬间交代了歌曲的风格和要表达的情感，抓住了听众的耳朵。
在前奏结束之后，歌曲就进入了相对简单的木吉他和弦分解伴奏。木吉他这门乐器的声音通常给人以“民谣”感，所以当木吉他响起时，歌曲由前奏的宏伟感转变为叙事的现实感，再加上演唱者本身，就好像有人在讲一个故事，这也正好是很多音乐人想做到的，就是“讲故事”。
在歌曲持续了一段时间之后，出现了古筝的花音。它出现的位置正好在每一句歌词结束的部分，这就是所谓的气口，这样一来就可以使古筝跟人声旋律线形成“对话感”，丰富了歌曲的层次感。除此之外，古筝的出现起到了点题的作用，歌曲名字叫《菊花台》，明显带有中国古代的韵味，所以古筝的出现可谓画龙点睛。
在歌曲的副歌部分，古筝、提琴、吉他、中国鼓以及音树同时出现，将歌曲的气氛推入高潮，紧接着是由古筝演奏的间奏部分，配以提琴弦乐的烘托，重复前奏时所交代的主题。
歌曲的尾声所使用的乐器基本上没有变化，但是它做了一个升调，达到了再次扩张听众情感的效果。在最后，它又加入了笛子，让人在一种“新鲜感”当中感受歌曲的终止。实际上，一个普通的听众在聆听这首歌曲时并不会注意到这些，但作为音乐人，应该找到聆听音乐的方法，从音乐的不同层中进行借鉴。所以，有人听音乐听的只是感觉，而音乐人听音乐听的是细节。
尝试对Demo进行编曲
很多人在写完一首歌之后会通过手机录下来，这种录音方法非常简单，无非是用吉他或钢琴弹唱，它只有基本的和声及旋律部分。但弹唱只是一种音乐最简单的表达方式，它并不是一种风格，即便是当代民谣，也很少有从头到尾自弹自唱而没有其他配器的歌曲。
作为一个音乐人，应该用“成品思维”看待自己所创作的音乐。当我们写好了一首歌，甚至在创作的时候，我们就要同时思考这首歌的编曲、配器，通过不断的摸索找到最适合这首Demo的曲风，这样你的音乐才会完整起来，拥有更为清晰的思路，这也是最能体现你音乐能力的做法。
写了一首歌之后，你完全可以通过录音软件和手机在你的房间里录制一个相对完整的版本，比如可以使用GarageBand，在你的音乐里加入基本的鼓轨、贝司、吉他或其他什么乐器，而这个过程就需要你细致地对Demo进行编制，在这个过程中你会慢慢发觉自己的优缺点都在什么地方，从而进行改进，逐渐提高自己的音乐能力。
其实做音乐的过程需要不断反思和修改，对于拥有制作团队及录音室的音乐人来说，这个过程通常在集体讨论和专业设备下完成，而对于独立音乐人来说，他们不一定拥有那么好的条件，很多事情需要自己亲力亲为，有的音乐人在制作唱片时甚至独自包揽了唱片中所有的词、曲及编曲和缩混部分，这就需要音乐人拥有相对完善的音乐技能。
但无论你是否拥有好的团队、设备，作为一个音乐人，用“成品思维”看待自己的作品是一个非常好的习惯，也是提高和巩固自己音乐技能的最好方法之一。当你真正进入录音室录制唱片的时候，你就会发现花在编曲、配器上的时间要比人声部分多得多，而且，在编曲、配器上花了功夫的音乐人做出来的唱片一定不会差。
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